声乐演唱的技巧

下面是工作范文吧小编收集整理的声乐演唱的技巧，仅供参考，欢迎大家阅读！

声乐演唱的技巧大全

　　导语：声乐作为一门艺术学科，不应简单地理解为有个好嗓子就能唱首好歌。它是一门复杂且具有综合性的艺术。以下是小编为大家精心整理的声乐知识，欢迎大家参考！

　　作为一个歌唱者，首先必须具备的就是扎实的基本功——技巧训练。打好声音技术的基础是极为重要的，“工欲善其事，必先利其器” ，一定的基本功是很难谈到及时、处理表情和情感的。想法再好力不从心也是无可奈何。声情声情，有声才有情。但前提就是要得到相应的声音基础，想要展现出完美的声乐表演，高水平的演唱技巧是尤为重要的。演唱技巧包括气息的正确运用、找准发声位置、共鸣腔体的灵活运用以及要掌握正确的咬字方法，吐字清晰。

　　一、气息的运用

　　用“善歌者必先调其气“来开始，呼吸对于演唱是至关重要的。良好的呼吸支持是歌唱的动力与基础，因此在练习时也应该做严格的呼吸训练，吸气与呼气得到充分煅练，形成条件反射，做到想唱就唱，一张口，气息就已准备充足，并能控制自如。

　　“声”与“气”必须协调平稀，气多声少或气少声多都不行！唱高音时，我们的气息要下沉，所谓“气沉丹田”。唱中低音时，气息要略提，声音强则气要沉，要均匀，声音弱则气要稳，要柔和呼出。但是，在不同演唱风格中，不同情绪，不同风格作品的处理，我们要将气息技巧相结合，创造出更好的演唱效果。

　　不管是自身条件好的还是不足的,想要灵活的运用气息都需要长时间的练习。练气的方法有很多，比如打嘟噜、吹蜡烛和漱口时用气息不断的冲口中的水。总之在唱歌时，吸气要注意自然适度，既不可过多也不能过少。如果你采用漱口是练气的那种方法，如果气息力度控制不适当，你马上就会被水呛住。所以说精巧的气息运用在演唱者演唱歌曲时是非常重要的。

　　二、发声练习

　　在声乐教学中，练声过程是整体教学过程中最为重要的环节，它是用于训练声乐技巧最基本、最简单的练习，就是把构成歌曲旋律最基本、最简单的动机或越剧提炼出来，配以单纯的母音或音节，在适当的音域内作伴音上行或下行移动发福练唱。

　　1、在练声前，首先要在思想上作好准备，借助曲调旋律，抒发心中的情绪。例如，543211——这一音阶练习曲，可以引导发挥想象空间，对这个旋律加上对“彩虹”的理解，用声音展现出来，这样、简单枯燥的发声就有了新鲜活力，以愉快的心情来完成练声目标。

　　2、带词练习。要求发音准确、字正腔圆、吐字清楚、有意境、有感情，声音音色具有画面感，这样才有可能向大型的声乐作品过渡，慢慢适应。

　　正确的发声练习可以帮助我们形成正确的喉头位置，解放后头，使声带和气息密切配合，调整适度，在唱高、中、低、强弱不同的音符时都有较为理想的声音效果。

　　三、完美的共鸣

　　除了精巧的气息，完美的共鸣也是非常重要的。声乐歌唱没有了共鸣，就会失去歌唱声音的艺术性，从美学的角度来讲，就不美了，从音乐的效果上来分析是属于“白声”。人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔、头腔三大共鸣腔体。在歌唱中，使用这些共鸣腔体的比例是不同的。

　　1、胸腔共鸣 胸腔共鸣常在较低的声部运用较多，实际上在我们每个声部的所有声区，都需要胸腔共鸣的成分，只是比例多少的问题。联系时一定要注意松弛，千万不能过分地追求共鸣而压迫喉头，把浓重的喉音误认为是胸腔共鸣。

　　2、口腔共鸣 口腔共鸣是声音从喉咙发出后的第一个共鸣区域，它是歌唱非常重要的部分，是胸腔共鸣和头腔共鸣的基础。发声时，口腔自然上下打开，笑肌微提，下颚自然放下稍后；拉，上颚有上体的感觉。要使口腔中的各有关部分自然地松开，以使咽、喉、腔通畅，这样才会获得良好的共鸣效果。

　　3、头腔共鸣 头腔共鸣常被称之为头声。它是我们声音中最具有魅力色彩的成分。它使声音明亮辉煌且穿透力强，尤其是在高音声部，几乎决定了声音的质量。联系时最好是用哼鸣的方式，也就是闭口打哈欠状态，双唇微微闭住，口腔内越空越好，鼻、咽腔打开，把气息的通道留的越宽越好，感觉到声音向前向上，体会到眉心在震动，从而发出较明亮集中的声音。

　　四、歌唱中的语言

　　奥斯汀曾说：“如果没有能获得良好的读字技巧，任何嗓音都不能算是一件真正良好的乐器。”长期以来，歌唱艺术以其优美的唱腔、鲜明感人的语言，受到人们的喜爱。所以有人说，歌唱是动感人的音乐。而其动人之处就表现在声音与情感的完美结合，即我们所讲的“声情并茂”。要达到这个要求，就必须掌握“咬字、吐字、收声归韵”的发音方法。

　　歌唱中的咬字

　　歌唱中的咬字不同于说话时的咬字，首先要求呼吸的支持、音质结实且有共鸣；其次是注重咬字部位。发声的字头是字的声母，因为声母的发音清晰有力能够更好地表达歌曲的情感。联系时可先用一个单独的母音，如“啊”代替歌词来联系，把注意力重点放在唱母音上来，咬字的着力点要准确，有助于纠正发音不准的现象。

　　歌唱中的吐字

　　口腔如何打开吐字具有严格的要求，开小或开大都会影响声音的音质和音色。正确的吐字要以气息为基础，根据母音的发生方法的状态大开口腔，运用共鸣腔体使声音得到扩大。最重要的一点是要能保持口型的稳定，无论发声旋律怎样变化或者长句中如何换气等，口形都不能有所变动。

　　歌唱中字的收尾

　　演唱时要使每个字有收尾，不仅为下一个字的出声作好铺垫，又保证了两字间的清晰连贯，起到了承上启下的作用，字尾轻轻收，既要保持口型不变，又要轻轻地，干净地收声。

　　从以上这些声乐演唱技巧的内容和训练方法中我们可以得知，在歌唱发声的过程中，无论是呼吸、共鸣、练声、语言都缺一不可，每个动作的要领都是相互联系、相互促进、相辅相成的，总之，声乐最终是需要表演的艺术，作为歌曲的表演者以及歌曲中情感的传达与解释者，高水平的演唱技巧是很重高的。通过深入的探索以达到对歌曲演绎宏观上的把握，从而游刃有余地表现声乐作品的情感、思想与境界,丰富作品的精神与文化内涵。

　　不断寻找作品中真挚情感并与发声技巧完美结合

　　杰出的音乐作品不仅需要声的体现还要有情的融入，是歌者对曲作者情感理解的外化形式。我们相信只要通过勤学苦练，任何的歌唱发声技巧都是可以通过后天的培养获得的，但是情感这个歌曲的核心部分是比较难把握的。所以在日常的训练中不仅要不断追求发音技巧的纯熟还要不断的调控融入动人的情。无论是舒缓的、激扬的、抒情的、动感的都要用一种情绪恰到好处的宣泄带给听众非同一般的听觉盛宴，通过情感来制造渲染力能够将这种气氛围绕在听者的四周，回响在耳边，正所谓绕梁三日不绝。作为歌手，我们想要表达的是悠远的曲作意境，听者希望能够得到的是历久弥新的回味。

　　歌者应该通过自身的表现来满足听者所需。这就可以解释为什么有的歌手并未受到过专业的技巧发声训练但是依旧能够博得众彩，而有的专业歌手却让人感觉到千篇一律，没有耳目一新的感觉。艺术是一种社会人群共同形成的文化气息。这种情感的释放需要有人去做出回应。人是社会的动物，而音乐作为艺术的一种具象的分支，也需要在社会化大群体中用情去沟通，用情去解决问题。演唱也是在解决问题，需要用情感去构建灵魂的家园。所以需要用理性的认知去升华情感的层次，展露出新的迸发性的脉动。作为专业的歌手需要将内在的情感进行有效的宣泄，与完美的技巧合二为一，带给听者以超凡脱俗的听觉感受。

　　在追求完美发音技巧的同时绝对不能忽视情感在作品中凸显的艺术表现的张力，再高超的技术在作品表现的时候就类似于摆设的花瓶，不过是每个过客临行时的一瞥，不会给人心灵上带去任何震撼的感受，一切只不过停留在那一瞬间，没能够有长久的记忆与回味，因为它是空洞的、是没有思想的、没有内涵的，勾不出人们心中浮华背后的安逸，留不住灯红酒绿的宁谧温馨，栽不下永不凋零的青春之花。音乐要的不是行尸走肉的躯体，要的是具有华丽外衣下的返璞归真。如此才是情感和技巧在曲目中的完美结合。

　　声乐技巧在歌唱艺术表现中的作用

　　声乐技巧包括很多方面的内容，比如发声、咬字、音色、气息的把握、内容的表达等，是歌者表现歌曲的基础。歌者只有经过长期的声乐技巧训练，做好技巧与情感的融合，才能赋予作品新的生命。

　　一、用音色变换手法来塑造艺术形象

　　美声唱法包含的技巧的领域很广，可以在不同的层次之间进行转变，对于共鸣效果无疑是最具表现力的。这种共鸣能够起到一石二鸟的作用，能够在音量和音色方面实现双丰收，在提高了音量的同时又能圆润音色的美感。美声唱法还能够有效地组织各个发音的部分团结一致，各司其职，分别在不同的时候构成不同的演唱发声组合，特别是在一些需要用技巧来衬托的难度性的发音上，各个发声器官能够通力合作犹如一个庞大的乐团，每个发声器官就是乐团中的每个乐手，在人思维的指挥下不断地演艺出一段段美妙的旋律，大大丰富了声乐作品的艺术表现力。

　　音色是指演唱者声音的个性特色，是区别于其他歌手的一个很重要的方面，但多数情况下是天生自然形成的，虽然可以经过后天的修饰，但整体不会跨度过大。音色可以带有情感，也并非总是空洞、没有内涵的。音色也可以被比作是人的性格，音如其人。音色也可以给听众带来重要的审美愉悦和情感体验，听者会有一种思维模式来判定某种情况下用哪种音色来诠释更好。在听众的期待中，表现节日欢庆和喜悦情绪的歌唱一般音色嘹亮，开朗且有弹性;痛苦的哭诉和悲伤失望的歌唱一般比较平淡沉闷。所以歌唱者应根据不同的歌唱风格、情感、内容、适当调整歌唱时声门的闭合状态、喉头高低、气息的力度，共鸣腔使用的程度等以获得相应的音色。

　　二、用声音的快慢来表现曲目的张力

　　歌曲的表达很重要的一点就是节奏，听者在听的过程中也会受到这种节奏感的制约，这种节奏的双方均衡使得歌者在演唱的时候对于音律的掌控要拿捏得十分到位，节奏的控制主要涉及曲目的快慢，在演唱歌曲速度比较快时，虽然嘴中歌速较快但内心却是安稳的，只有内心的稳定才能保证每个小节的节奏不乱，特别忌讳的是在演唱快速歌曲的时候抢拍，给听者以很忙乱的感觉，让人很不舒服。要让人觉得快的很安然、很稳定，不会因为演唱者的失误而提心吊胆，既能体现出旋律的美感，词意也能很清楚地表达出来。

　　慢曲子常有延长的单音，唱这种长音不能只是呆滞地唱完时值，而应该在延长时做到情绪上有发展、征引上有流动的变化。慢曲子一般更深情，故演唱时应该更富有激情。不同情况下的曲目要做感情化的.处理即所谓的稳中有变，变中不乱，单位音节的长度要控制好，同时要与词义相协调，某个部分的延长或缩短要做到恰到好处，不能让听众感到某个音节时间过长显得拖拉，使后面的音节无处安放，让整句歌词处于一个很尴尬的位置。因为这样这就失掉了发声技术的精华部分，其它的地方再好也是无用之功。

　　三、用声音强弱对比来处理歌曲的开头与结尾

　　在歌曲的表达当中，要学会处理好强弱关系。强音不是用蛮力，要恰到好处、有节制，应该以兴奋、轻松、从容为好，这样才能更好地表达感情。强音不能从头到结束都一样强，而要以感情的发展为动力，使声音向前运动，结束时自然到位。在一首曲子中多数音只需要用中等音量甚至较弱的声音唱，强音一般只是少数乐句中的少数几个音。弱音应和强音一样地用气，一样地把声音和情感释放出来，弱音也可以很丰富、开阔、有共鸣。因此，在歌曲的演唱中，一开始就应当恰到好处地运用强弱的变化，凝聚起所有的情感，倾注于第一声发出的瞬间，使演唱一开始就能达到“先声夺人”的效果，从而为整首歌曲感情的流畅抒发打下良好的基础。

　　四、用延长高音时值的办法来渲染歌曲高潮

　　多数听众都会很期待曲目高潮的部分，所以这个部分的处理就显得特别重要，要坚持常规中的各种技巧原则，同时也要打破常规，给听者带去惊喜。所谓歌曲高潮，就是歌曲主题思想最集中、最突出的地方，也是整首歌曲感情最浓厚的地方。此时，歌曲的旋律与情感均已发展到了最高峰，不论是对歌曲本身而言还是对于歌唱者自己本身的声乐技巧而言都是一个很好的考验。歌曲的高潮是最能对听者产生强烈音响刺激的部分，它能促使听者获得听觉上的满足，同时在心理上产生一种强烈的震撼。此时我们需要用一些特殊的技巧比如演唱高音时值来不断地展现感情涌动的效果，在一波未平一波又起的感情堆叠中，勾出听者的共鸣。

　　五、坚持艺术再现的原则“艺术第一，技术第二”

　　美妙的歌声总能够给人以荡气回肠的梦幻质感，音乐的组成一直以来都是相互的，是由演唱者和听者来共同完成的，再流畅的音符也需要有人来演绎出来，同时再动听的歌声也需要有人能听得懂。技术和艺术之间的微妙关系也形同如此，虽然音乐由声音构成，是通过声音来叙述的一种艺术形式，但这其中也需要人来驾驭用什么样的声音来呈现在听者耳边，而最难驾驭的部分也就是曲目情的基调部分，不同人对于不同曲目的理解不同，即便是理解相同但对于曲目所要表达的感情程度的感受也不同，即便是感受程度相同在演唱过程中对于情感的诠释又不尽相同，对于听者来说，他们对音乐的解读同样如此。而我们演唱要做的正是要通过自身对于曲目的内化再到外化的一个过程，通过独有的一种表现形式加之高超的技巧来表现喜怒哀愁，以及多种复杂的情感转换。

　　不同的人表现出来的曲目灵魂不同，不同的听者所能听出的真谛也不同，这是因为艺术的维度甚宽、艺术的张力甚强、艺术的魅力无穷，是艺术的本身所在。基于此点，在教学和学习期间，要将艺术的表现力作为一个重要的方向去研究和揣摩，就需要演唱者提高发音技术之外的综合素质和修养。在日常的学习中体会每个成功演唱者是如何来诠释艺术表现力的，借助外力融入自我的东西逐渐形成具有自我风格的演唱模式。在此我们要明确一个很重要的观点，学习发音技术其实是在为歌唱的内容做基础的。尽管高超的演唱发音技术能够博得众彩，但是演唱的最高境界不仅仅是对技术的夸赞而是希望以一种很特别的方式让听者感到无以言表，无法用词汇去表述的那种很讶异的感受，是只可意会不可言传的感觉。

　　总之，技术只是空洞的躯壳来展现音乐的美感，情感内涵才是曲目的本质。意大利声乐专业兰佩尔帝曾很贴切地说过这样一句话“嗓音不等于一切，因为歌唱家必须表达出诗人和作曲家的灵感，因此他们必须有天生的热情和崇高的心灵，否则他们不会成为一个具有风雅艺术趣味的歌唱家，而是一个喊喊叫叫的人。”一个真正可以称为艺术家的歌者不仅仅能够驾驭演唱技术，同时能够控制情的发散。

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